بودكاست التاريخ

مايكل باس

مايكل باس

ولد مايكل باس ، حفيد صانع الجعة ويليام باس ، في السادس من يوليو عام 1799. بعد تعليمه في مدارس في بورتون أون ترينت ونوتنجهام ، انضم مايكل إلى شركة العائلة. تم إنشاء مصنع ويليام باس للخمور في عام 1777. ركزت الشركة في البداية على تصدير البيرة إلى الهند. استفاد افتتاح قناة Trent & Mersey بشكل كبير من Burton Breweries وتوسعت الشركة بسرعة.

في عام 1831 ، ساعد باس ، بصفته ضابطًا في ديربيشاير يومانري الفرسان ، في إخماد أعمال الشغب أثناء الحملة من أجل قانون الإصلاح لعام 1832. ومع ذلك ، تعاطف باس مع شكاوى العمال وأصبح على مدى السنوات القليلة المقبلة من مؤيدي الإصلاحيين.

في عام 1848 وافق باس على أن يصبح المرشح الليبرالي في انتخابات فرعية أجريت في ديربي. تم انتخاب باس وشغل المقعد لمدة خمسة وثلاثين عامًا. على الرغم من أن باس نادرًا ما تحدث في المناقشات في مجلس العموم ، فقد عمل خلف الكواليس من أجل تشريعات من شأنها تحسين مستوى معيشة الطبقات العاملة. وشمل ذلك تكليف التحقيق الذي أجراه ليون ليفي في مستويات الأجور في بريطانيا.

على عكس معظم النواب الليبراليين ، كان باس مؤيدًا للنقابات العمالية. في عام 1871 كلف الصحفي ، جيمس غرينوود ، بالتحقيق في ظروف العمل في صناعة السكك الحديدية. ظهرت المقالات في التلغراف اليومي وفضح الظروف التي يعاني منها عمال السكك الحديدية. نتيجة لذلك ، ساعد باس في تمويل تشكيل الجمعية المتعاونة لاتحاد موظفي السكك الحديدية. كما قدم دعمًا سخيًا لدار أيتام موظفي السكك الحديدية في ديربي.

كما تبرع باس بمبالغ كبيرة لديربي. وشمل ذلك 25000 جنيه إسترليني لتوفير مكتبة مجانية ، و 12000 جنيه إسترليني لأرض ترفيهية كبيرة وحمامات سباحة عامة. تم تقديم 100000 جنيه إسترليني أخرى إلى مدينة بيرتون.

استمر باس في المشاركة في إدارة أعمال تخمير العائلة. بحلول عام 1882 ، كان مصنع ويليام باس للخمور وظّف أكثر من 3000 شخص في بورتون أون ترينت وبلغ حجم مبيعاتها 2،400،000 جنيه إسترليني. في ثمانينيات القرن التاسع عشر ، قامت شركة باس بنفس القدر من الأعمال في ثلاثة أيام كما فعلت في 12 شهرًا في ثلاثينيات القرن التاسع عشر.

توفي مايكل باس ، الذي رفض عروض البارونات والنبلاء ، في 29 أبريل 1884.


الفرقة

Michael League هو منتج وموسيقي حاصل على 4 جوائز Grammy ® و 5 مرات مقيم في كاتالونيا ، إسبانيا. وهو مؤلف وقائد فرقة موسيقى الآلات Snarky Puppy ومجموعة الموسيقى العالمية Bokanté ، ومؤسس شركة التسجيل ومصدر تنظيم الموسيقى GroundUP Music ، والمدير الفني لمهرجان الموسيقى GroundUP.

التحق مايكل ببرنامج دراسات موسيقى الجاز بجامعة شمال تكساس لمدة 4 سنوات ، ثم انتقل إلى دالاس المجاورة لمدة 3 سنوات أخرى ، حيث عمل مع بعض أكثر الشخصيات تأثيرًا في موسيقى الإنجيل الحديثة ، و R & B ، وموسيقى الروح ، وتلقى إرشادًا من قبل الأسطوريين. عازف لوحة المفاتيح برنارد رايت (مايلز ديفيس ، شاكا خان) قبل الانتقال إلى بروكلين ، نيويورك ، في عام 2009 ، حيث أمضى 9 سنوات ، ثم انتقل إلى منزله الحالي في كاتالونيا ، إسبانيا. بصفته عازفًا ومنتجًا ، عمل مع مجموعة متنوعة من الفنانين في موسيقى البوب ​​(لورا مفولا ، لالا هاثاواي ، جو والش ، مايكل ماكدونالد ، روفوس وينرايت) ، قوم (ديفيد كروسبي ، كريس تيل) ، الإنجيل (كيرك فرانكلين ، والتر هوكينز ، مارفن ساب ، إسرائيل هوتون ، مايرون بتلر) ، موسيقى الجاز (تيرينس بلانشارد ، إسبيرانزا سبالدينج ، جوشوا ريدمان ، واين كرانتز ، كريس بوتر) ، الإلكترونية (سكويربوشر ، دايدلوس ، توكيمونستا) ، والموسيقى العالمية (ساليف كيتا ، إلياديس أوتشوا من بوينا Vista Social Club ، Fatoumata Diawara ، Bassekou Kouyate ، Susana Baca ، Kardeş Türküler ، Väsen).

بصفته طالبًا في السنة الثانية بالكلية ، شكل مايكل الفرقة الموسيقية Snarky Puppy. بصفته منتجًا وملحنًا أساسيًا وقائد فرقة موسيقية للمجموعة على مدار الخمسة عشر عامًا الماضية ، فقد حصل على ثلاث جوائز جرامي وعزف أكثر من 1500 حفلة موسيقية في ست قارات. في عام 2016 ، أسس فرقة بوكانتي. مزج التأثير من أنماط البلوز والروك والكاريبي وغرب إفريقيا ، تضم المجموعة طاقمًا من الموسيقيين من كل النجوم من 5 قارات مختلفة. أمضت بوكانتي عام 2017 في جولة حول العالم لدعم ألبومها الأول ، Strange Circles. تم إصدار ألبومهم الثاني ، What Heat ، بالتعاون مع Metropole Orkest تحت إشراف Jules Buckley ، في خريف عام 2018 وتم ترشيحه لـ “Best World Music Album” في حفل توزيع جوائز Grammy لعام 2020.

تأسست GroundUP Music في عام 2011 ، وتوسعت من شركة تسجيل مستقلة (موطن لألبومات ديفيد كروسبي ، وتشارلي هانتر ، وبيكا ستيفنز ، وكوري هنري ، وباندا ماجدة ، وغيرها الكثير) إلى تنظيم الأحداث الحية ، وإطلاق مهرجان جراوند أب الموسيقي السنوي في عام 2017 في ميامي بيتش ، فلوريدا. وقد استضافت فنانين مثل Béla Fleck و Esperanza Spalding و Andrew Bird و The Wood Brothers و Robert Glasper و Concha Buika و Terence Blanchard و Joshua Redman و Jacob Collier و Tank and the Bangas و Chris Thile و Knower و Pedrito Martinez ، من بين آخرين كثر.

يلتزم مايكل بشغف بتعليم الموسيقى والتوعية ، حيث قدم عيادات ودروسًا رئيسية في أكثر من 200 مدرسة حول العالم. في عام 2020 ، قام مايكل ، جنبًا إلى جنب مع مدير مهرجان جراوند أب الموسيقي بول لير ، بتأسيس مؤسسة جراوند أب للموسيقى ، والتي تسعى إلى تعزيز حوافز تعليم الموسيقى في جميع أنحاء العالم. وهو نشط كمتحدث ضيف في لوحات الأعمال الموسيقية الدولية ويعمل بانتظام مع المنظمات غير الربحية في محاولة لخدمة المجتمع بشكل أفضل من خلال الفنون.

بيل لورانس

لوحات المفاتيح

بيل لورانس هو عازف بيانو وملحن ومؤدي حائز على جائزة جرامي ثلاث مرات. لقد عمل باحتراف لمدة 22 عامًا ، حيث قدم أداءً في جميع أنحاء العالم. إنه عضو أصلي في Snarky Puppy المشهور دوليًا.

ألبوماته الأربعة (فلينت2014 سويفت ،2015 بعد الشمس،2016 و العيش في يونيون تشابل ،2016) ضربت جميعًا قمة مخططات iTunes Jazz في المملكة المتحدة والولايات المتحدة. يقوم حاليًا بتطوير ألبومه الخامس ، وهو سجل منفرد يستكشف اندماج البيانو الصوتي والإلكترونيات مع التركيز على الارتجال المجاني.

يمتد عمل بيل التكويني عبر مجموعة واسعة من الأنواع: أول فيلم روائي طويل له غير Traductor ، رشح لأفضل فيلم أجنبي في 2018 مهرجان صندانس السينمائي. تشمل أوجه التعاون الأخرى العمل مع شركات الرقص المرموقة (ألفين آيلي وماثيو بورن ومسرح نورثرن باليه) وإنتاج الموسيقى للإعلانات التجارية (Apple Mac و Sky Broadband و Nokia و De Beers و Investec و Hewlett Packard و Rigby & amp Peller). شارك بيل مؤخرًا في الكتابة مع David Crosby (Crosby و Stills & amp Nash) حول التراكيب الأصلية لألبوم David Crosby القادم. يؤلف بيل حاليًا ثلاث لجان منفصلة لـ Big Band و Orchestra و Choir.

بيل هو معلم شغوف ويواصل إعطاء العيادات ودروس الماجستير في المؤسسات في جميع أنحاء العالم.

بيل هو الفنان المقيم في كلية مورلي بلندن.

ديفيد كروسبي ، مورشيبا ، ساليف كيتا ، جوردان روديس ، سوزانا باكا ، لالا هاثاواي ، لورا مفولا ، جاكوب كولير ، موسيك سول تشايلد ، كريس بوتر ، ليونيل لوكي ، كارلوس مالطا ، ميس ديناميت ، أوركسترا متروبول

بيل هو بطل التطورات المتطورة في لوحة المفاتيح ، وقد تم اعتماده من قبل:

رولي سي بورد ، ديف سميث ، مووج ، ميلوترون ، كورج ، نورد ، MXR ، ياماها بيانوس ، ياماها ريفايس ، آرب أوديسي ، ساوند برينر وآلات نيتيف إنسترومنتس.

بوبي سباركس الثاني

لوحات المفاتيح

كورسيكانا ، تكساس ، سبارك تشايلد ، بوبي سباركس الثاني ، هو فنان متعدد المواهب وموسيقي ومنتج أمبير يفتخر بقائمة طويلة من الإنجازات المهنية. سجل بوبي وسافر حول العالم للمشاركة مع برنس وبرج القوة وهيربي هانكوك وراي تشارلز ونيللي فورتادو وماركوس ميلر وكيرك فرانكلين وسانت فنسنت ومجموعة من الفنانين والمشاهير البارزين الآخرين. بوبي هو عضو أصلي في Snarky Puppy ، الحائز على جائزة جرامي 9 مرات وتأثيره على الموسيقى والشخصيات بعيد المدى.

جاستن ستانتون

البوق ، لوحات المفاتيح

من تينيسي إلى تكساس إلى نيويورك ، أتاح جاستن ستانتون الفرص اللامحدودة الموجودة في عالم الموسيقى لقيادته في جميع أنحاء العالم. بصفته عازف بوق وعازف لوحة مفاتيح وملحنًا ، اكتسب جاستن شهرة كموسيقي متعدد الأوجه يمكنه أن يلعب دورًا أساسيًا لأي فنان يساهم به ، سواء على خشبة المسرح أو في الاستوديو.

التحق جاستن بجامعة شمال تكساس المرموقة ، حيث قدم أداءً لمدة عامين في فرقة One O'Clock Lab Band ، وسجل ثلاثة ألبومات بالإضافة إلى أدائه في المهرجانات الكبرى في جميع أنحاء أوروبا. أثناء وجوده في شمال تكساس ، انضم جاستن إلى Snarky Puppy ومنذ ذلك الحين ، سجل ثمانية ألبومات مع المجموعة وظهر في غالبية تسجيلاتهم الحية العديدة.

بالإضافة إلى الحفاظ على جدول زمني نشط للغاية مع Snarky Puppy ، يحتفظ Justin بجدول زمني نشط للأداء والتسجيل والكتابة مع مجموعة متنوعة من الفنانين والمجموعات الأصلية ، بما في ذلك Banda Magda ، التي ظهر ألبومها الأول "Amour T'es La" في قائمة NPR العشرة الأولى لألبومات "الموسيقى العالمية" لعام 2013. ظهر جاستن في تسجيلات مع فنانين متنوعين مثل ديفيد كروسبي ، دونالد فاجن ، هاري شيرر / ديريك سمولز ، لاري كارلتون ، روبرت جلاسبير ، ترومبون شورتي ، موسيك سولتشيلد ، كيرك فرانكلين ، لورا مفولا وساليف كيتا. كما شارك المسرح مع جو والش ، وديريك تراك ، وتيرينس بلانشارد ، وكريس بوتر ، وإريك هارلاند ، وفاتوماتا ديوارا ، على سبيل المثال لا الحصر.

يقيم جاستن في بروكلين ، نيويورك ، وهو في طلب دائم على قدرته كعازف متعدد الآلات ، ومعرفة بالتوليف وتصميم الصوت ، والإلمام بمجموعة واسعة من العوالم الموسيقية ، والطاقة الإبداعية الوفيرة. ومن المقرر أن يصدر سجلًا منفردًا لأول مرة لجميع المواد الأصلية الجديدة في أوائل عام 2019.

يؤيد جاستن Sequential (المعروفة سابقًا باسم Dave Smith Instruments) وأبواق Yamaha وأبواق Donat.

شون مارتن

لوحات المفاتيح

الفنان والمنتج وكاتب الأغاني والعازف والفائز بجوائز GRAMMY® ، يقوم شون مارتن بنحت مكانه في سجلات التاريخ الموسيقي.

شون معروف على نطاق واسع بعمله مع كيرك فرانكلين و Snarky Puppy ، بينما ترك بصمته الإبداعية على مشاريع مع الأساطير الموسيقية Chaka Khan و Erykah Badu و Fred Hammond و Yolanda Adams و Kim Burrell و Tasha Page Lockhart و God's Property فقط لتسمية a قليل. في الآونة الأخيرة ، كشف شون عن عبقريته لنا جميعًا في مشاريعه الفردية الأولى - Seven Summers and Focus.

بعد أن كتبنا ورتبنا وأنتجنا وعزفنا لوحات المفاتيح في كلا الألبومين ، جنبًا إلى جنب مع الموسيقيين والمغنين من مسقط رأسه ، دالاس ، تكساس - نلتقي بالعبقرية الموسيقية لشون مارتن. هدية شون الهائلة التي تمت ملاحظتها ورعايتها في سن مبكرة دفعته إلى بدء العزف على الطبول والبيانو في سن الرابعة ، ووضعته والدته تحت وصاية كارولين كامبل ، التي علمته قراءة وكتابة الموسيقى. في سن الخامسة كان يعزف بالفعل على البيانو والأرغن في الكنيسة. في وقت لاحق ، تعلم العزف على البوق ، والترومبون ، والبوق ، والقرن الفرنسي ، والناي.

بصفته متخصصًا في الموسيقى في جامعة شمال تكساس ، انضم إلى زملائه الموسيقيين الطلاب لإضافة علامته التجارية الخاصة للإبداع إلى Snarky Puppy ، وهي فرقة موسيقى الجاز الحائزة على جوائز والتي تتصدر قائمة الأغاني - ملتزمة بأداء الموسيقى والتعليم. في محاولة لرد الجميل للمجتمع الذي شكل العمق والبعد والديناميكيات لصوت إحساسه ، يخطط شون لإنشاء أكاديمية للفنون الجميلة وبرنامج ما بعد المدرسة للطلاب الحضريين الذين لا يتمتعون إلا بقدر ضئيل من التعليم الموسيقي و تمرين. يعمل شون حاليًا مع العديد من الفنانين ومنتجي الموسيقى في عدد كبير من المشاريع ، وهو مالك شركة Shaun Martin Music، LLC (المعروفة سابقًا باسم Shunwun Music) - كل ذلك أثناء عيشه الإبداعي.

وهو متزوج من مونيكا ويلسون مارتن.

بوب لانزيتي

غيتار

بوب لانزيتي هو عازف جيتار وملحن ومنتج ومعلم محترف في بروكلين بنيويورك. قام بالعزف والتسجيل مع العديد من الفنانين في جميع أنحاء منطقة مدينة نيويورك بالإضافة إلى العزف في أكثر من 40 دولة مع مجموعة Snarky Puppy الحائزة على جائزة جرامي ثلاث مرات لموسيقى الجاز / الفانك.

بوب الأصل من نيوجيرسي ، انتقل إلى دينتون ، تكساس في عام 2000 لدراسة جيتار الجاز في جامعة شمال تكساس. بالإضافة إلى دراسته ، كان محظوظًا بما يكفي للمشاركة في مشهد موسيقى R & ampB و Gospel المزدهر في منطقة DFW بالإضافة إلى مقابلة الموسيقيين الذين سيواصلون تشكيل جوهر Snarky Puppy.

كعضو في Snarky Puppy Bob ، أتيحت له الفرصة للمساهمة ككاتب ومنظم وعازف جيتار ، ولعب في كل إصدار مسجل وأداء في جميع أنحاء العالم. حصل The Pups على ثلاث جوائز GRAMMY حتى الآن. أفضل أداء R & ampB في عام 2014 ("Something" الذي يضم Lalah Hathaway) ، وأفضل ألبوم موسيقي معاصر في عامي 2016 و 2017 ("Sylva مع Metropole Orkest و" Culcha Vulcha "، على التوالي).

منذ عام 2006 ، كان بوب يقيم في بروكلين ، نيويورك. هناك أصبح عازف جيتار عند الطلب يقوم بالعزف والتسجيل مع العديد من الفنانين بما في ذلك تومي سيمز ، وجيري جرانيلي ، وروبن فورد ، وبوكانتي ، وميشيل ويليس ، وكوري هنري ، وجوست-نوت (روبرت "سبوت" سيرايت / نيت ويرث) ، ولوسي وودوارد ، موسيق سولشيلد ، بلال ، باندا ماجدة ، أندرجراوند سيستم ، وغيرها الكثير.

بصفته ملحنًا / فنانًا ، يكتب بوب ويسجل وينتج ويؤدي مؤلفاته الأصلية مع مجموعته الرباعية. تم إصدار سجله الأول ، Whose is This That Walking ، إلى مراجعات إيجابية ، في سبتمبر 2017. يقوم الآن بجولة في السجل بالإضافة إلى كتابة موسيقى جديدة لمتابعة التسجيل. قام بوب بتأليف وتسجيل نتيجة فيلمين رقص لصالح شركة Allendance ، كما قام بأداء موسيقى الغيتار المنفردة المرتجلة لدروس اليوغا والرقص.

كمعلم ، يقوم بوب بتدريس الموسيقى والغيتار من الاستوديو الخاص به في بروكلين ، وقد قدم عيادات في جميع أنحاء العالم ، وعمل في برامج التوعية من خلال قاعة كارنيجي للمراهقين المحرومين لكتابة الموسيقى الأصلية الخاصة بهم وتسجيلها وأداءها.

يستخدم Bob قيثارات Fodera و Supro amps و D ʼ Addario سلاسل وملحقاتها وتأثيرات Pigtronix و MXR و Fralin Blues التقاطات الخاصة.

مارك Lettieri

غيتار

مارك ليتيري هو عازف جيتار وملحن ومنتج ومدرب مقره في فورت وورث ، تكساس. ماهر في العديد من الأساليب ، يسجل ويؤدي في كل أنواع الموسيقى الشعبية تقريبًا مع فنانين مستقلين وكبار الفنانين. كما أنه يؤلف وينتج موسيقى الآلات الأصلية باسمه.

بدأ Lettieri عمله مع Snarky Puppy عندما كانت الفرقة تشكل جذورها في تكساس ، وظهرت في عام 2008 جلب لنا مشرق. كان نشطًا مع Pups ، سواء على الهواء مباشرة أو في الاستوديو ، منذ ذلك الحين.

عازف الجيتار وعازف الجيتار المتجول ، Lettieri سجل الأميال مع أيقونة الروح الجديدة إيريكا بادو ، ومغني الإنجيل أنتوني إيفانز ، وأمريكان أيدول: الفائز بالموسم 11 فيليب فيليبس. كما أنه قدم أداءً مع عدد لا يحصى من الفنانين الآخرين ، بما في ذلك نيللي ، وتاميلا مان ، وكريسيت ميشيل ، ومايرون بتلر ، وندامبي ، وبلال ، وحتى الممثل الكوميدي ديف تشابيل.

تتضمن أعماله التسجيلية الأخيرة مجموعة متنوعة من الفنانين مثل ديفيد كروسبي ، 50 سنت ، سنوب دوج ، إيمينيم ، آدم ليفين ، كيرك فرانكلين ، فريد هاموند ، توري كيلي ، مارفن ساب ، ليدسي ، إريك روبرسون ، ليكراي ، لوبي فياسكو ، كيشيا كول ، Xzibit ، فضلا عن العديد من الأناشيد الإذاعية والتلفزيونية.

كقائد ، أصدر ثلاثة ألبومات من موسيقاه الخاصة: يعرف في عام 2011، فوتوريفن في عام 2013 ، ومؤخراً ، شرارة وصدى في عام 2016. يرجع الفضل في جزء كبير منه إلى تواجد Lettieri النابض بالحياة على وسائل التواصل الاجتماعي ، وقد حصدت هذه التسجيلات عددًا كبيرًا من المتابعين بين عشاق موسيقى الجيتار في جميع أنحاء العالم. يمكن رؤيته وهو يتجول في هذه المادة باسم Mark Lettieri Trio.

أخيرًا ، يعمل Lettieri كطبيب وعارض معدات ، غالبًا نيابة عن الشركات التي يؤيدها وهي J. Rockett Audio Designs و Supro و Grosh و Collings و Paul Reed Smith و Jim Dunlop و TC Electronic.

يقيم مع زوجته وابنته وقطتيهما.

موقع الكتروني: www.marklettieri.com

الفيسبوك (صفحة الموسيقي): مارك ليتيري ميوزيك

Instagram و amp Twitter: تضمين التغريدة

كريس ماكوين

غيتار

يلعب كريس ماكوين الموسيقى ويكتبها ويسجلها منذ عام 1994. وبصرف النظر عن Snarky Puppy ، فإنه يلعب أيضًا في مجموعات GroundUP الزميلة Forq و Bokanté. عمل مع ليز رايت وباندا ماجدا ولوسي وودوارد ونيكا كوستا ومايرون بتلر وأمبير ليفي وأليخاندرو إسكوفيدو وفنانين آخرين في تكساس ونيويورك. لقد ظهر في العديد من مسرحيات موسيقى الروك خلال العقد الماضي ، وآخرها ديفيد بوي لعازر في ورشة مسرح نيويورك (يضم مايكل سي هول) و عرض روكي الرعب في مركز دالاس ثيتر. كما قام بتصميم وبناء Guitar Note Atlas ، وهو تطبيق لأجهزة iPhone و iPad لمساعدة طلاب الجيتار والباس على تعلم لوحة الفريتس.

نشأ كريس في أوستن ، تكساس وبدأ في العزف على الجيتار وتسجيل الأغاني على 4 مسارات Tascam في سن العاشرة تقريبًا. في سن 13 انضم إلى RedHeaded Stepchild ، وهي فرقة أطفال متأرجحة غربية ، وبدأ العزف حول أوستن وتعلم كيفية العزف الفردي من زميله و معجزة الغيتار ويل كناك. قاد هذا الاهتمام بالارتجال كريس إلى موسيقى الجاز التي انضم إليها وكتب لفرقة الجاز في المدرسة الثانوية ، ثم التحق لاحقًا بجامعة شمال تكساس للدراسة مع فريد هاملتون. لعب في النهاية في One O’Clock Lab Band وكتب قطعة تم تسجيلها من أجلها معمل 2006 .

بقي كريس في منطقة دالاس لمدة أربع سنوات بعد الكلية ، وشارك في قيادة فرقة الروك الشعبية الإقليمية Oso Closo مع المغني / كاتب الأغاني Adrian Hulet ، ودرس الموسيقى مع برنارد رايت وأعضاء آخرين في مشهد دالاس آر أند أمب / جاز / إنجيل. قدم Oso Closo على خشبة المسرح في ذا هو تومي في مركز دالاس ثياتر وأصدروا ألبومين. بعد أوسو كلوسو ، انضم كريس وزميله عضو الفرقة داني جارسيا مع المغني وكاتب الأغاني كيد سادلر لتشكيل Foe Destroyer ، الذي أنتج ألبومًا بعنوان ذاتي ، وقام بجولة لعدة سنوات ، وأدى على خشبة المسرح في دالاس ونيويورك في المسرحية الموسيقية يطير بها ليلا .

يعيش كريس في أوستن ، تكساس مع زوجته إيرين. بصرف النظر عن العزف والتسجيل ، قام بكتابة ورقة الموسيقى لـ Snarky Puppy وآخرين ، وقام بإنشاء ترتيبات وأصوات للموسيقى الجديدة Bunkerville . كان يعمل أيضًا على ألبوم منفرد قادم ، ويلعب في ثنائي غيتار صوتي أصلي مع زميله أوستينيت ، مات ريد ، الذي أصدر ألبومه الأول المسرح الغربي العام الماضي.

مايك "ماز" ماهر

بوق

مايك ماز ماهر هو عازف بوق ومغني وملحن ومعلم. لقد كان عضوًا مخصصًا في Snarky Puppy منذ بداية الفرقة وكتب أغنيتين للمجموعة (Skate U ، Sleeper). بصفته عازف بوق مستقل ، قام بأداء / تسجيل مع أمثال سوليف ، وديان بيرش ، وليلى بيالي ، ولوسي وودوارد ، وباندا ماجدة ، ومايرون بتلر وأمبير ليفي ، وأندرو روز جريجوري (من الأخوين غريغوري) ، وجورج بورتر جونيور ، ومضيف. من الآخرين.

في عام 2009 ، بدأ مايك مجموعة Maz لممارسة قدراته في الغناء وكتابة الأغاني. أصدر ماز ألبومين ("Maz" في عام 2012 ، و "Idealist" في عام 2016) وقام بجولة في الولايات المتحدة وخارجها بالإضافة إلى العزف بانتظام في مدينة نيويورك.

في عام 2017 ، طُلب من مايك كتابة كلمات الألبوم الأول لـ Alina Engibaryan (من إنتاج Michael League لصالح GroundUP Music ، الصادر عام 2018) ، وهو ما يمثل أول مشاركة له ككاتب مستقل.

جاي جينينغز

بوق

كان جاي جينينغز عضوًا في Snarky Puppy منذ عام 2004. قبل لقاء عائلته Snarky في جامعة شمال تكساس ، نشأ Jay في بلدة Grapevine الصغيرة ، تكساس. لقد كان محظوظًا لوجود بيانو في المنزل أثناء نشأته ، وهو ما يعتبره مقدمة لتعليم الموسيقى. بدأ جينينغز العزف على البوق في سن الحادية عشرة ، وبحلول سن الخامسة عشرة كان يلعب بالفعل بشكل احترافي. في المدرسة الثانوية ، تم اختياره للانضمام إلى فرقة Texas All-State Jazz Ensemble في السنة الثانية والثالثة على حد سواء ، وتم اختياره في High School Grammy Jazz Ensemble ، التي قدمت في حفل توزيع جوائز جرامي السنوي الرابع والأربعين في لوس أنجلوس ، كاليفورنيا. تم اختبار Jennings كطالب جامعي وتم اختياره لمنصب عازف الجاز المنفرد في فرقة One O'clock Lab Band ذات الشهرة العالمية في UNT. عندما كان في الثانية والعشرين من عمره ، انضم إلى فرقة موسيقى الروك السمفونية The Polyphonic Spree التي تتخذ من دالاس مقراً لها. قام بالتسجيل والتجول معهم حتى انتقل إلى بروكلين ، نيويورك في عام 2009. بدأ جينينغز في النهاية بجولة مع فنان تسجيلات رأس المال Eli & # 34Paperboy & # 34 Reed في عام 2010 وعلى مدار حياته المهنية دعم بعضًا من أفضل الفنانين في العالم مثل Aretha Franklin ، مايكل ماكدونالد ، ديفيد كروسبي ، ديفيد بوي ، لالا هاثاواي ، فرانكي فالي وفور سيزونز ، لي فيلدز ، بوبي راش ، هاري شيرر (سبينال تاب) ، أوجيز ، جيمي بافيت ، جيمس تايلور ، جون بون جوفي ، بيلي جويل ، القمم الأربعة ، وغيرها الكثير. حاليًا ، يقوم جاي بجولة مع نجم موسيقى الريف توبي كيث ويعيش حاليًا في لوس أنجلوس ، كاليفورنيا. يواصل التسجيل والجولة مع فرقة Snarky Puppy الحائزة على جائزة جرامي.

عند انتقاله إلى لوس أنجلوس في فبراير 2017 ، بدأ جينينغز في التأليف لفرقته الخاصة ، The YAYennings Quartet. يمثل هذا بداية مهنة جاي المنفردة كقائد فرقة. بدأت الرباعية التي تحركها البيبوب أثناء جلسة تسجيل Snarky Puppy لـ Culcha Vulcha في عام 2016. أمضى جينينغز وزميله في فرقة Snarky Puppy ، بوب رينولدز (تينور) ، معظم وقت الجلسة في العزف في غرفة مع عزف ثنائي على البيانو الكبير . بعد أن أدرك أنهما يشتركان في اهتمامات مماثلة في أوائل الخمسينيات من القرن الماضي على الساحل الغربي ، بدأ جاي في التأليف لفرقته الخاصة. دعا جاي خوسيه بيريز (بانشو سانشيز ، بوكانتي) في الساحل الغربي من خريجي يو إن تي على الطبول وروس شوديك (بانشو سانشيز) على الباص ليكونوا العمود الفقري في الرباعية "بلا وتر". سيصدر ألبوم YAYennings Quartet "Scott Ave" في فبراير من عام 2019. جاي جينينغز عضو في عائلة Yamaha الفنان ويعزف بفخر على أبواق Yamaha.

كريس بولوك

تينور ساكسفون ، فلوت ، كلارينيت

كريس بولوك عازف ساكسفون ومؤلف متعدد الآلات. تعد الطبيعة التعبيرية لموسيقاه ولعبه شهادة على تنوعه الفني. كريس هو عضو قديم في فرقة الثني النوع ، Snarky Puppy. مع هذه المجموعة ، حصل على ثلاث جوائز جرامي ويحافظ على جدول زمني نشط لأداء الجماهير في جميع أنحاء العالم. يقيم كريس في بروكلين ، نيويورك حيث يوازن بين وقته في قيادة مشروعه الفردي ، ولعب العروض الحية مع مجموعة متنوعة من الفنانين ، والأداء في جلسات الاستوديو.

في الأصل من أشفيل ، نورث كارولاينا ، بدأ هوس كريس الموسيقي كطفل كان لديه اهتمامات مبكرة في بيتش بويز ، وأشرطة الكاسيت الهيب هوب ، وتعلم الكلارينيت والغيتار الكهربائي. بمرور الوقت ، أصبح الساكسفون محوريًا في صنع موسيقاه.

ينهي كريس حاليًا أول ألبوم منفرد له يحتوي على جميع الموسيقى الأصلية الجديدة. هذا الألبوم هو مزيج من الأنواع التي تجمع بين عناصر آلات النفخ الخشبية لكريس والجاز الحي والموسيقى الإلكترونية والإنتاج. دفعه اهتمامه بموسيقى الهيب هوب والموسيقى الإلكترونية إلى استكشاف مشاريع إبداعية جديدة تشمل موسيقى الدي جي وصنع الإيقاعات والإنتاج.

بصفته عازفًا متعددًا ، قام كريس بالعزف مع مجموعة متنوعة من الفنانين بما في ذلك ديفيد كروسبي ، ومايكل ماكدونالد ، ولالا هاثاواي ، وتشارلي هانتر ، وكريس ثيل ، وإريك هارلاند ، وفيش ، وسوليف. بالإضافة إلى عمله كموسيقي حي ، يعمل كريس أيضًا كمعلم وطبيب. حصل على درجات علمية في الموسيقى من جامعة إيست كارولينا ، جامعة ولاية ميتشيغان ، ودرس في جامعة نورث تكساس. Chris Bullock يلعب بدواسات D’addario reeds و Yamaha Saxophones و Earthquaker Devices FX.

بوب رينولدز

ساكسفون

بوب رينولدز هو عازف موسيقى الجاز الأمريكي وعضو فرقة Snarky Puppy الحائز على جائزة جرامي. اشتهر بعمله مع كل من Snarky و John Mayer ، وقد أصدر 9 ألبومات منفردة مبيعًا للموسيقى الأصلية. وصفت صحيفة نيويورك تايمز رينولدز بأنه "عازف ساكسفون واثق من نفسه وملحن متواضع ولكنه فعال". ولد رينولدز في موريستاون ، نيو جيرسي ، ونشأ في جاكسونفيل ، فلوريدا ، حيث بدأ العزف على الساكسفون في سن 13 عامًا. على الرغم من أنه كان يستمع إلى مجموعة من الموسيقى عندما كان طفلاً ، إلا أنه في أواخر سن المراهقة كان طالبًا متخصصًا في موسيقى الجاز. بعد المدرسة الثانوية ، صقل مهاراته في كلية بيركلي للموسيقى في بوسطن ، تحت إشراف جورج غارزون وهال كروك وآخرين. إلى جانب العمل مع مجموعته الخاصة ، والأداء مع أساطير مثل جيف لوربر ولاري كارلتون ، فإن بوب معلم شغوف وطبيب مطلوب. من خلال الاستوديو الافتراضي الخاص به على شبكة الإنترنت ، يقوم بتدريس موسيقيين من أكثر من 20 دولة. يعيش بوب في لوس أنجلوس مع زوجته وطفليه. يشارك رؤى حول تحقيق التوازن بين مهنة الموسيقى وتربية عائلة لأكثر من 46000 مشترك في قناته الشهيرة على YouTube. قم بزيارة BobReynoldsMusic.com للمزيد.

زاك بروك

كمان

"اتصلت بعازف الكمان الفرنسي العظيم جان لوك بونتي وقلت" إذن ، من هو القط الجديد؟ من لديه الاشياء؟ وقال زاك بروك. - ستانلي كلارك

زاك بروك هو عازف كمان ومؤلف موسيقي حائز على جائزة جرامي ، وقد نال استحسان النقاد باعتباره & # 34 عازف الكمان المرتجل البارز من جيله. & # 34 فنان في الإقامة & # 34 في جامعة تمبل. غنى زاك مع فرقته في قاعة كارنيجي في نيويورك ، و "Tudo é Jazz" في البرازيل ، وفي جزر سليمان نيابة عن وزارة الخارجية الأمريكية. تشمل اعتماداته كمتعاون موسيقي ستانلي كلارك ، سناركي بوبي ، فيل ماركويتز ، ويكليف جوردون ، وغيرهم الكثير. قام أيضًا بعمل عشرة تسجيلات كقائد أو قائد مشارك وهو عازف منفرد مميز في مجموعتين من الأفلام الروائية الطويلة في مهرجان Sundance.

نيت ويرث

قرع

باعتباره السلاح السري الذي لا يمكن إنكاره لـ Snarky Puppy ، فإن Nate Werth متجذر في التقاليد ويبتكر باستمرار في عالم الإيقاع. لقد كان نهجه الإبداعي في التعامل مع الاحتمالات الصوتية والتفاعل الإيقاعي جزءًا لا يتجزأ من صوت المجموعة ، وقد نال احترام ودعم كبار الباروكات مثل مارتن كوهين مؤسس LP. تشمل اعتمادات الأداء والتسجيل Myron Butler & amp Levi و The Lee Boys و Jovino Santos Neto و Michael Spiro و Eric Krasno's Chapter 2 والمزيد. بعد دراسة التقاليد الهندية والأفريقية وأمريكا اللاتينية على نطاق واسع في الخارج ، يجلب Nate لوحة صوتية فريدة لكل بيئة موسيقية. يعيش حاليًا في بروكلين ، نيويورك ويلعب بانتظام في المشهد الموسيقي في مدينة نيويورك و DFW.

مارسيلو ولوسكي

قرع / طبول

يمثل Marcelo Woloski أمريكا الجنوبية في عائلة Snarky Puppy ، وهو عازف إيقاع وعازف إيقاع وعازف موسيقى حائز على جرامي وغرامي لاتيني من بوينس آيرس ومقره في مدينة نيويورك. لقد جعلته مجموعته الواسعة من الأصوات ، وتعدد استخداماته ، ومهاراته البارعة ، وشخصيته الكاريزمية ، ونهجه الفريد في إعدادات الإيقاع والتناغم ، الشخص المناسب لتسجيل الفنانين والمنتجين والمنسقين في جميع أنحاء العالم. صوّت "عازف الإيقاع لعام 2017" من قبل مجلة Bateristica ، وتشمل أرصدة أداء وتسجيل مارسيلو روبن بليدز ، وسوزانا باكا ، ومارتا غوميز ، ولورا مفولا ، ولالا هاثاواي ، وباندا ماجدا ، وصوفيا ريبيرو ، وكريس بوتر ، وروبرتا سا ، ورباعية كرونوس. الآخرين. يمكن سماع أحدث أعمال مارسيلو كملحن في ألبومه الجديد موندو بور كونوسر، الذي تم إصداره في عام 2018 ، بالإضافة إلى الإصدار الأخير من Snarky Puppy كولشا فولشا يتضمن تكوينه باليرمو. مارسيلو هو قرع لاتيني ، وفيك فيرث ، وطبول إيفانز ، و Garrahand. لمزيد من المعلومات قم بزيارة www.marcelowoloski.com

كيتا اوجاوا

قرع / طبول

نشأ كيتا أوغاوا في الأصل من ناغازاكي باليابان ، وهو حائز على جائزة جرامي (كعضو Snarky جرو) وواحد من عازفي الإيقاع وعازف الطبول الأكثر تنوعًا والأكثر طلبًا في مدينة نيويورك ، وقد بدأ مسيرته الموسيقية على الطبل في سن 15 بعد أن كان يقدم أداءً منتظمًا في طوكيو لعدة سنوات ، قرر كيتا متابعة دراساته الموسيقية في الخارج. تم قبوله في كلية بيركلي للموسيقى المرموقة في خريف عام 2005 حيث درس مع الموسيقيين والمعلمين الأسطوريين مانويل "إيجوي" كاستريلو وجامي حداد وتيتو دي جراسيا وديفيد روسادو ومارك ووكر. سعيًا إلى الانغماس الكامل في عالم الإيقاع البرازيلي ، انتقل كيتا إلى ريو دي جانيرو لمدة 3 أشهر ودرس مع بعض الموسيقيين الأكثر احترامًا في البلاد - جورجينيو دو بانديرو ، وسيلسينيو سيلفا ، وكيكو فريتاس ، ومارسيو باهيا وغيرهم. في أمريكا ، عمل كيتا مع بعض من أكبر الأسماء في الموسيقى الحديثة بما في ذلك Yo-yo-ma و Lion Brothers و Maria Schneider Jazz Orchestra و Romero Lubambo و Clarice AS و Jaques Morelenbaum و Osvaldo Golijov و Les Nubians و Charlie Hunter و Benny Green واريك هارلاند وأوركسترا بوسطن السيمفونية وأوركسترا شيكاغو السيمفونية والمزيد.

يعمل حاليًا في العديد من المشاريع مثل Snarky Puppy و Banda Magda و Bokantè و Charlie Hunter و JSquad و Camila Meza و Nectar Orchestra و Clarice Lion والمزيد.

في عام 2016 كتب موضوع افتتاح البرنامج التلفزيوني الوطني في اليابان. برنامج يسمى "Hodo Station".

في عام 2017 أصبح سفيراً للسياحة في مسقط رأسه ، ساسيبو ، ناغازاكي ، اليابان.

تم اعتماده من قبل Canopus Drum و Meinl Percussion و Sabian Cymbal و Vic Firth و Evans Drumhead و Cooperman Company و Dem Sticks و Parka Percussion و Decora 43.

يمكن لـ Keita تقريبًا العزف على أي آلة إيقاع ونمط موسيقي بطلاقة وموسيقى لا مثيل لها. على الرغم من صغر سنه ، فقد كان قدوة للجيل القادم من الموسيقيين العالميين. إن شغف كيتا بعبور الحدود الموسيقية وتوحيد الاختلافات في الثقافات هو موهبة نادرة يظهرها بابتسامة وقلب مفتوح.

جاميسون روس

طبول

جاميسون روس عازف درامر وعازف يسلم رسائل إنسانية من خلال موسيقى الجاز.

ولد جاميسون في جاكسونفيل بولاية فلوريدا ، وقد تحقق شغفه بالموسيقى أثناء نشأته في كنيسة جده ، حيث أدرك فعالية الموسيقى. بدأ جاميسون دراسته لموسيقى الجاز كطالب في المدرسة الثانوية في مدرسة دوغلاس أندرسون للفنون واكتسب شهرة عالمية كموسيقي متميز في الفيلم الوثائقي الحائز على مهرجان تريبيكا السينمائي القطع فيلم تبع فرقة موسيقى الجاز في المدرسة أثناء تحضيرهم وعرضهم في موسيقى الجاز الشهيرة في مسابقة Essentially Ellington Festival في مركز لينكولن.

واصل روس دراسته لهذا النوع في جامعة ولاية فلوريدا (بكالوريوس دراسات الجاز) ، حيث التقى بأعضاء فرقته الحاليين وفي جامعة نيو أورلينز (م ، جاز) ، في المدينة التي يقيم فيها حاليًا. في عام 2012 ، بدأت مسيرة روس في التبلور بعد فوزه في مسابقة Thelonious Monk Jr لموسيقى الجاز الدولية لقرع الطبول. منحه هذا الإنجاز عقد تسجيل مع كونكورد جاز. يروي جاميسون ، "في ذلك الوقت ، كان الناس يعرفونني كعازف طبول لم يعرفوا أنني أستطيع الغناء. كنت أرغب في دمج هداياي ".

إصداره الأول لعام 2015 ، جاميسونقدم للعالم مفهومه للإيقاع واللحن وحصل أيضًا على ترشيح GRAMMY® لأفضل ألبوم موسيقى جاز صوتي. إطلاق سراحه في السنة الثانية ، الكل من أجل الواحد، يأخذ المستمعين إلى مستوى أعمق في روح Jamison. الألبوم هو نتيجة كشف شخصي بأن & # 34 لدينا جميعًا القدرة على الحب مع التعاطف بطريقة أعمق. & # 34

لارنيل لويس

طبول

لارنيل لويس هو موسيقي وملحن ومنتج ومعلم حائز على جائزة GRAMMY. من مواليد تورنتو ، أثبت لارنيل نفسه بسرعة كواحد من أكثر عازفي الطبول تنوعًا وطلبًا في الساحة الموسيقية حاليًا. جنبًا إلى جنب مع وضعه الطويل خلف الطبول في سناركي جرو ، قاد لارنيل العديد من المجموعات الناجحة للغاية الخاصة به وقام بجولة حول العالم مع بعض الأسماء الأكثر شهرة في الموسيقى ، بما في ذلك Etienne Charles, Gregory Porter, Benny Golson, Lalah Hathaway, John Scofield, Pat Metheny, Lisa Fisher, Kurt Elling, Gary Burton, و اكثر.

Larnell’s immense talent, fierce creativity, and continually evolving musical style is what has kept him at the top of the list as a musical collaborator for artists across the globe. In June 2018, Larnell released his highly anticipated debut album “ In The Moment ,” which featured ten original compositions in a variety of musical styles. His vast talents not just as a musician but as a producer also landed him the opportunity to act as Musical Director for a performance during the Toronto International Film Festival ’s premiere of the critically-acclaimed documentary of Quincy Jones , “ QUINCY ”, (directed by Rashida Jones & Al Hicks), where he led performances from the likes of Yebba Smith, Mark Ronson, and Chaka Khan.

Among his many accolades, including the 2004 Oscar Peterson Award for Outstanding Achievement in Music (Humber College), Larnell was named as the fourth recipient of the Toronto Arts Foundation’sEmerging Jazz Award ” (2017), which is a $10,000 cash prize intended to support the creation of a project that features original compositions from each recipient.

Larnell’s talents can be seen worldwide via his various social media platforms, which have a combined total of over 100,000 followers. His reach to fans and musicians of all generations is proof that he not only possesses undeniable talent, but a spirit unlike any other that excites, inspires, and encourages music fans of all ages to further explore their musical tastes and the follow him on the road he has paved for himself.

Follow @LarnellLewisMusic on FB / IN / YT & @Larnell_Lewis on Twitter

Jason "JT" Thomas

Drums

JT is a 3-time Grammy Award winning drummer hailing from Weatherford Tx. Known for his ability to authentically adapt to whatever genre/style of music he’s put in, JT has become highly sought after by an array of different artists such as Roy Hargrove’s RH Factor, Fred Hammond, CeCe Winans, Marcus Miller, Mark Lettieri, FORQ, & Phillip Phillips to name a few. His high level of preparation for each artist he works with, along with being a consummate professional on and off stage, is what continues to keep him busy performing on stages and in studios all over the world. JT is proudly endorsed/sponsored by Yamaha Drums, Meinl Cymbals and Percussion, Vic Firth Drumsticks, Evans Drumheads, and MatTea Inc. Vocal Luxury.

Michael Harrison

Sound Engineer

Native of Scotland, Mike initially met Snarky Puppy during their inaugural UK/European tour whilst performing at the popular venue Stereo. Prior to this, Mike spent a number of years working with various production companies and engineering at numerous UK festivals, events & venues. Early touring included many activities with groups on the Scottish traditional music circuit and subsequently touring with popular Scottish artists such as Kassidy & Emeli Sande. In addition to his work with Snarky Puppy, recent years have seen Mike working extensively with a diverse variety of artists & musical lineups including Bill Laurance Group, Forq, Cory Henry & The Funk Apostles, KNOWER, Bokanté, and Elipsis on tours across Europe, Australasia, Africa & the Americas and numerous collaborative productions between Snarky/Bokanté & the Metropole Orkest in the Netherlands.

When not touring he also runs his own company, E H Sound Ltd, from Glasgow. Whilst his business partner John focuses on his love of Theatre Sound & dramatic productions, Mike continues to work with current Glasgow-based artists such as Charlotte Marshall & The 45s, Unoma Okudo, Esperanza, Starry Skies, and others.

Matt Recchia

Sound Engineer

Matthew Recchia (Rexx) is a live sound engineer and stage manager currently residing outside of Atlanta, GA. Recchia began his career in Athens, GA with an internship at The Melting Point before attaining a full-time position at The Georgia Theatre following graduation from University of Georgia’s business school. Beginning in the summer of 2011, Recchia began touring with indie-rock band Futurebirds around the United States before jumping on with Snarky Puppy in 2013. Recchia has also toured with side projects of the band like Ghost Note, Bill Laurance, and Bokante.

Rosanna Freedman

Tour Manager

Hailing from London, England and resident of Manchester, Rosanna first began working with SP while managing award winning music and arts venue Band on the Wall. Her background in the live music industry has been based in festival production and band tour management in the EU and worldwide. She has worked with UK and international artists spanning the genres from reggae to rock and heavy metal.

Mason Davis

Drum and Percussion Technician

Mason began studying Afro-Cuban and West African percussion at an early age, which blossomed into a deep appreciation for the music of various cultures from around the world. He later went on to get degree in classical and jazz performance and after college went on to play in a variety of musical projects around the Southeastern United States.

Being familiar with all types of drum and percussion gear, he quickly began a secondary career as a “Drum Doctor” in Athens, Ga. This quickly became a passion and in fall of 2014 he became the touring Drum and Percussion Technician for the band. He resides in the Atlanta, GA. area and when not touring enjoys a studio of private students and a variety of gigs in his local area and beyond.


The American Institute of Physics is a 501(c)(3) not-for-profit corporation with a mission to advance and diffuse the knowledge of physics and related fields of science and engineering and its applications to human welfare. We are committed to the preservation of physics for future generations, the success of physics students both in the classroom and professionally, and the promotion of a more scientifically literate society. Your gift today directly impacts the success of our programs.


History of Motion Pictures – Georgia State

How can you still enjoy movies, I am often asked [. . .], when you spend all your time analyzing them and researching them? All I can say in response is that I enjoy movies more than ever, but admittedly, in a very different way from my very first excursions into the illuminated darkness (Andrew Sarris).

FLME 2700 – History of Motion Pictures
Email: [email protected]
Office: 25 Park Pl, 1021D (10th Floor)
Visitation Hours: TR 10:00am-12:00pm, or by appointment
WebEx Virtual Classroom Link: https://gsumeetings.webex.com/meet/mbass16

Textbook
David Bordwell & Kristin Thompson, Film History: An Introduction – GSU Edition eBook (The standard text for this course is available only as an eBook. You need an access code to access your digital copy. You may purchase your electronic textbook access code at the GSU Bookstore for $75. For any problems, contact the publisher’s helpline at 855-200-4146).

The Bass Clan!


Michael Rhodes

Bass guitarist Michael Rhodes was born in (1953), way down south in Monroe, LA, where country, Cajun, and blues music was a part of every day life. Before his 13th birthday, Rhodes had taught himself…
قراءة السيرة الذاتية كاملة

Artist Biography by Charlotte Dillon

Bass guitarist Michael Rhodes was born in (1953), way down south in Monroe, LA, where country, Cajun, and blues music was a part of every day life. Before his 13th birthday, Rhodes had taught himself to play the guitar with amazing skill for one so young. A couple of years later he landed his first professional gig. In the early '70s, Rhodes moved to Austin, TX. He performed with a few other bands, gaining experience and making connections. After about four years, he picked up and moved to Memphis, TN, to work with Charlie Rich's son, Alan Rich.

Some time spent in Nashville earned Rhodes a job as a demo musician and then as a session player. Over the many years since then, Michael Rhodes has lent his bass talents to the recordings of numerous artists, including many chart-toppers from the '90s, like Neal McCoy, Chely Wright, Doug Stone, Wynonna Judd, the Dixie Chicks, Reba McEntire, Tanya Tucker, Dolly Parton, Randy Travis, Faith Hill, and many other country greats.


Michael Bass - History

Genesis spent the next year writing new material and hitting the road, refining their live performances at smaller gigs at universities and technical colleges. During this period, the band felt the need to move away from a softer acoustic sound and focus more on a louder electric sound. This dramatic change was driven by the issues at the time with amplification of softer music in a live concert setting. The result caught the attention of Tony Stratton-Smith, who signed Genesis to his Charisma Records label in April 1970.

Genesis regrouped to release Duke in April 1980. The trio found that they had produced their most successful album to date. Duke featured two popular hit singles: "Misunderstanding" and "Turn It On Again." It was during this period that Genesis swept ميلودي ميكر Magazine's poll in Europe, ranking #1 in a total of six categories. ال Duke album and the success of the two singles fueled a very successful world tour.

Genesis' first U.S. top ten and RIAA-certified platinum selling album, Abacab, was released in September 1981 and peaked at #9 on the U.S. albums chart. By this point, each album seemed to follow the pattern of more commercial success than its predecessors.

This newly revamped line-up would remain intact for five years. During this period, Genesis released four studio albums (Nursery Cryme, Foxtrot, Selling England By The Pound و The Lamb Lies Down On Broadway), one live album, and toured almost non-stop. It was also during this period that the band began experimenting in art rock. The group gained a major cult following in Europe and parts of North America with their powerful progressive music and elaborate stage shows.

في شمال America, Three Sides Live was a double LP se t w ith three sides of material recorded live in concert and one side of n o n-LP studio recordings, including the U.S. hit "Paperlate." The version currently available is identical to the European issue, which is completely live (The majority of the non-LP studio recording from the original U.S. version of Three Sides Live would later resurface in 2000 on the second أرشيف box set and again in 2007 on the 1976-1982 box set). Three Sides Live went on to sell more than 500,000 copies in the U.S. earning yet another RIAA gold album certification for Genesis.

During this period, Mike Rutherford signed a solo recording contract with WEA in Europe and a subsidiary Atlantic Records in North America. In 1982, Rutherford found time to release his second solo album, Acting Very Strange, which included pieces of songs he had written previously but never released. The project included Noel McCalla helping out again on vocals, Genesis touring guitarist Daryl Stuermer assisting on guitars, Police drummer Stuart Copeland, Peter Robinson on keyboards, and a number of other respected musicians. Rutherford decided to take on vocals himself for the project, which Mike later admitted may not have been the best choice.

In November 1974, Genesis released what would be their final album with this line-up, The Lamb Lies Down On Broadway. The conceptual double album remains one of the group's most critically heralded projects to date. The Lamb eventually earned gold certification in the U.S. for sales in excess of 500,000 copies and peaked at #41 on the U.S. albums chart. In May 1975, by the end of The Lamb Lies Down On Broadway tour, the band received their most devastating loss yet. Vocalist Peter Gabriel had decided the leave the band for personal reasons.


That year also saw the brief return of Peter Gabriel and Steve Hackett for a one-off reunion concert in England. The now legendary concert was not officially recorded, but the now infamous and widely circulated audience recorded bootleg of the show is probably one of the most sought after unsanctioned recordings ever made from a Genesis concert.


Michael Bass - History

The 1980’s were a high time in the Los Angeles music and guitar scene. People were very much into hot-rodding their electric guitars. As the “Superstrat” started to emerge, players wanted to add electronics, and the “perfect” combination of pickups and hardware to yield a popular array of tones. The L.A. studio scene was coming into its heyday with players emerging like Dean Parks, Dann Huff and Michael Landau among others.

Neil Stubenhaus was one of the first studio players that started promoting James’ expertise to other players – both bassists and guitarists. James had started making custom instruments to order using a myriad of parts from Schecter and Kubicki, and then had custom pieces made at Tom Anderson’s shop.

During the 1980’s, the shop was moved to North Hollywood on Lankershim Blvd and expanded to include one of the first high-end boutique stores for guitars, basses and bass gear. Situated next door to the rhinestone cowboy tailor himself: Nudie Cohn. There was no sign on the store front, no advertising from the curtained windows, and the “Either You Know Or You Don’t” mystique began. The shop’s notoriety grew by word of mouth, and James never knew who would walk through the door. On one particular day, Michael Landau and Buzz Feiten both came into his shop for the first time. Another day, he found out that David Williams, who was recording for Michael Jackson on the album “Thriller”, had used his guitar on that iconic riff in “Billie Jean”.

The L.A. studio guys like Neil, Mike, Buzz, Dean Parks, Dann Huff, Steve Watson, and Abe Laboriel would rattle around the shop, testing things out and pushing James to go further. After working with such great players, seeing all the custom work that he’d done for famous folks on TV and in concerts, James decided to define his work by creating his first identifiers—the Tyler logo and headstock. At that time, all headstocks were pretty much Fender style headstocks. By coming up with a different silhouette, James was able to build the brand a bit more, and when Fender decided to trademark their headstock shape, James had already been using his own for some time. The headstock and Studio Elite debuted to the public at the L.A. Guitar Show in 1987.

The Studio Elite model with its distinct pickguard shape was also another identifier that took some basic credit for the shaping and contours that gave Tylers their reputation for maximum playability. In 1988, Studio Elites were built for many of L.A.’s session guys including Steve Lukather. James was also doing some more zany projects at this time—most notably for Michael Anthony of Van Halen. Michael, a regular client, came to James to build a Jack Daniels bass that he could tour with, and followed it up with a Tabasco sauce bass.

The 90’s started out with great promise for James. Schecter Guitar Research USA (now owned by ESP) approached him in 1990 and proposed a partnership for research, development and promotion of Tyler Guitars. Suffice it to say, after a few grueling months, it didn’t work out. What it did do though, was act as a sort of litmus test for how far word-of-mouth had traveled by this time. James never ran ads, never “marketed” per se, but unbeknownst to him, his international reputation had been steadily growing. After he parted ways with Schecter, he was able to simply pick up from there and move on. He opened a new shop on Sepulveda Blvd, in the San Fernando Valley and focused on producing new custom instruments.

In 1991, James created the Psychedelic Vomit finish for Mike Landau as a joke, and the future of guitar finishes would never be the same. That same year, the Ultimate Weapon model debuted. A lot of guys used Tylers on hard rock recording, but when it came to live appearances, they needed something that looked more contemporary, so James gave them the Ultimate Weapon model with a bit more edge. Dann Huff took one out on his 1993 Giant tour.

1992 brought a few new releases. The pendulum was swinging back toward vintage, so the Classic was added to the model selection. That year also saw the debut of the Tyler 4 and 5 string basses. In 1993, Tyler Guitars was contacted by the Santa Monica Heritage Museum for an exhibit: The Ultimate Guitar Show—the History of California Guitars. James Tyler Guitars was chosen to be displayed among the great California guitar companies such as Fender, Rickenbacker, Mosrite and Charvel. Also in 1993, lightning struck the same place twice when James created the Burning Water guitar for Mike Landau. People dug it and demand for it made it a standard model offered from 1994 on. This year also marked a limited run on 7-string guitars, the Dann Huff classic, and the Mongoose.

In 1995 in collaboration with Abe Laboriel, James revised his standard bass for a narrower neck and different silhouette and added it to his available models. A lesser known fact, James has dabbled in the acoustic guitar realm some as well. He produced several prototypes but never got to bring them to production since demand was too high on the other instruments.

In the mid 1990’s, Tyler Guitars jumped on the wagon of the crazy phenomenon known as the “world wide web” and became internationally accessible through their website. James was able to take some time to do other special projects and create some other model variations. 1998 brought about the Studio Elite HD, which came to be by removing the lead/rhythm circuit and going more retro with the sound. The first shmear paint job was also developed in 1998.

The 2000’s saw more expansion of models and innovations. James created new versions of the Burning Water and Psychedelic Vomit models. The Mongoose body shape and Tylerbastar gave way to a hybrid Mongoobastar (now known simply as the Mongoose Retro).

The long-time desired dream of creating a line of James Tyler pickups was fulfilled in 2005 with the creation of James Tyler Electric, and that year they began being available in Tyler guitars. In 2006, the Tylerbastar was no longer offered and the Joe-X line was released in Japan.

For 2007, the pickup line was expanded into dozens of different versions of single coils, humbuckers and soapbars. The Rat guitar was released in the Joe-X line. That year, James was also contacted by the guitar modeling and amplification giant: Line 6 to discuss a revamp of the Variax modelling guitar. James and Line 6 agreed to collaborate on a new line to be known as the JTVariax. Through many design hours and prototypes, three styles of the JTVariax evolved with the look and feel of a Tyler guitar and the extraordinary guitar modeling and alternate tuning capacities of Line 6 electronics.

Later in 2007, James was diagnosed with a brain tumor. In preparation for taking time off in 2008 to undergo brain surgery, Tyler Guitars production was scaled back, and no more dealer orders were accepted. The several years after that were challenging, what with James’ recovery from brain surgery and his commitment to prototype and overhaul the Line 6 Variax, but thanks to improvements in James’ health, staff changes and major capital investments—James came back motivated and ready to drive JTG ahead.

2012 marked the 40th year of James Tyler’s guitar career, 25th Anniversary of the unique Tyler headstock, and 5 years after James’ “Well, actually, it WAS brain surgery” tour.

2016 James Tyler Guitars Japan is introduced at Winter NAMM 2016 as our mid-priced line of guitars as well as the Studio Elite Psychedelic Vomit 25th Anniversary guitar

2018 25th Anniversary of the Burning Water model and a limited edition run of 75 guitars.


The Complex History and Uneasy Present of ‘Porgy and Bess’

It has entertained, and sometimes enraged, generations of audiences. Now the Gershwin classic is opening the Metropolitan Opera’s season.

Angel Blue and Eric Owens star in the Metropolitan Opera’s new production of “Porgy and Bess.” Credit. Justin French for The New York Times

It was one of those mythic New York nights: the Broadway premiere of the Gershwins’ “Porgy and Bess” in 1935.

The starry opening drew Hollywood royalty, including Katharine Hepburn and Joan Crawford. After the ovations died down, the A-listers headed to a glamorous after-party, where George Gershwin played excerpts from his score on the piano.

By the next morning, though, the questions would begin. Those questions — about genre, about representation, about appropriation — have followed “Porgy” through more than eight decades of convoluted, sometimes troubling history, and remain salient as the Metropolitan Opera opens its season on Sept. 23 with a new production, its first performances of the work since 1990.

Is “Porgy,” which features some of the best-loved songs by one of America’s greatest songwriters (“Summertime,” “It Ain’t Necessarily So,” “I Loves You, Porgy”), as well as mighty choruses and bold orchestrations, an opera or a musical? It returned to Broadway in 2012 in a stripped-down form. But since 1976, when Houston Grand Opera brought it back to the opera house, it has often been claimed — you can almost hear the capital letters — as the Great American Opera.

More urgently, is “Porgy” a sensitive portrayal of the lives and struggles of a segregated African-American community in Charleston, S. C.? (Maya Angelou, who as a young dancer performed in a touring production that brought it to the Teatro alla Scala in Milan in 1955, later praised it as “great art” and “a human truth.”)

Or does it perpetuate degrading stereotypes about black people, told in wince-inducing dialect? (Harry Belafonte turned down an offer to star in the film version because he found it “racially demeaning.”)

Is it a triumph of melting-pot American art, teaming up George and Ira Gershwin (the sons of Russian Jewish immigrants) with DuBose Heyward (the scion of a prominent white South Carolina family) and his Ohio-born wife, Dorothy, to tell a uniquely African-American story? Or is it cultural appropriation? The fact that the most-performed opera about the African-American experience is the work of an all-white team has not been lost on black composers who have struggled to get their music he ard.

And has the Gershwins’ insistence that “Porgy” be performed only by black artists — originally aimed at keeping it from being done in blackface — helped generations of black singers by giving them the opportunity to perform on some of the world’s great stages? Or has it pigeonholed some of them, limiting the roles they are offered?

Or is the answer to all these questions yes?

The Met is engaging with the work’s complex history as it prepares to stage its new production, directed by James Robinson and conducted by David Robertson. It has assembled a strong cast, led by the bass-baritone Eric Owens and the soprano Angel Blue, and designed a staging that aims to rescue Catfish Row and its inhabitants from the realm of stereotype. It is holding talks around the city about the work and turning the lens on its own checkered racial past with an exhibition at the opera house.

George Gershwin called “Porgy and Bess” a “folk opera,” which placed him in a long line of composers who drew inspiration from folk themes, real or imagined. In an essay he wrote for The New York Times in 1935, he wrote that to keep the work musically unified, he had decided to write “my own spirituals and folk songs.”

صورة

And he discussed aspects critics later decried as stereotypes, writing that “because ‘Porgy and Bess’ deals with Negro life in America it brings to the operatic form elements that have never before appeared in opera and I have adapted my method to utilize the drama, the humor, the superstition, the religious fervor, the dancing and the irrepressible high spirits of the race.”

Hall Johnson, a black composer, arranger and choir director whose musical “Run, Little Chillun!” had been a success on Broadway in 1933, wrote that Gershwin was “as free to write about Negroes in his own way as any other composer to write about anything else” in a 1936 essay in Opportunity, a journal published by the Urban League.

But he added that the resulting work was “not a Negro opera by Gershwin, but Gershwin’s idea of what a Negro opera should be.” (Decades later, reviewing the film, James Baldwin echoed that critique, writing that while he liked “Porgy and Bess,” it remained “a white man’s vision of Negro life.”)

The Gershwins were determined to avoid performances of “Porgy” in blackface , an offensive relic of minstrelsy that was still common then onstage and onscreen. Al Jolson, who had worn blackface in 1927 in the breakthrough sound film “The Jazz Singer,” had also wanted to mount a musical based on the story and hoped to play Porgy.

“Porgy and Bess” provided work for generations of classically trained African-American singers at a time when discrimination barred them from the Met and other leading stages. When the work’s first tour reached the segregated National Theater in Washington, its African-American stars took a stand and threatened not to perform — forcing the theater to integrate, at least temporarily. “Porgy” helped many singers of color launch their careers, including Leontyne Price, who played Bess right out of Juilliard.

It became a symbol of American culture around the world. When the piece had its European premiere in Copenhagen during World War II, staging a work by a Jewish composer about black Americans was seen as an act of provocation aimed at the occupying Nazis. The inescapable contradictions of a Cold War-era tour of Leningrad and Moscow in the mid-1950s were chronicled wryly by Truman Capote.

But the controversies did not abate. When Otto Preminger’s film version was released in 1959, during the civil rights era, the playwright Lorraine Hansberry debated him on Chicago television, declaring that stereotypes “constitute bad art” and noting that African-Americans had suffered “great wounds from great intentions.” But the music of “Porgy and Bess” only grew in popularity, as generations of jazz pioneers, including Billie Holiday, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald and Miles Davis, put their own stamps on the songs.

The requirement to cast black performers remains in effect for dramatic performances of “Porgy and Bess” around the world, Sargent Aborn, the chief executive officer of Tams-Witmark, which licenses it, wrote in an email.

It is an unusual stipulation in an age where casting is increasingly colorblind. “Porgy” is the one opera the Met’s own chorus does not sing: The company hired a chorus of black singers for its new production. When the Hungarian State Opera staged “Porgy and Bess” with a white cast earlier this year, against the wishes of the Gershwin brothers’ estates, it asked its singers to sign declarations that African-American origins and spirit formed part of their identity, a Hungarian news site reported.

Some black singers are wary of “Porgy,” both out of discomfort with the piece and concerns that they could get typecast and kept from exploring other repertoire.

Davóne Tines, a bass-baritone who starred recently in “The Black Clown” — a new musical adaptation of Langston Hughes’s searching 1931 poem exploring race and representation — said in an interview that it made him uneasy that the only black opera in the canon, and still one of the main opportunities for many black singers, requires them to “don costumes of rags” and “embody flat stereotypes.”

“Just as we have moved from aggression to microaggression, from analog to digital, and from low-fidelity to high-definition,” he said in an interview, “so, too, must we move from broad brush strokes and put a finer point on the pen that delineates black experience.”

Some have tried to reinvent the piece. The first production that Golda Schultz, the South African soprano who will sing Clara at the Met, ever saw was a famous one by the Cape Town Opera that moved the setting to a South African township.

“Setting it up in a township, everyone understood this notion of a struggling community, a tight-knit community, because townships are like that,” Ms. Schultz said during a recent rehearsal break at the Met. “My dad grew up in a township and you knew your neighbors, you knew people’s business — because the walls on a shack are really thin, corrugated iron.”

The director Diane Paulus and the playwright Suzan-Lori Parks made substantial changes for their 2012 Broadway production, cutting some of the dialect, rewriting scenes and trying to give more back story, and agency, to Bess. Some objected: The composer Stephen Sondheim cried foul about their plans, calling the work’s characters “as vivid as any ever created for the musical theater.”

The Met is asking audiences to take a new perspective even before they enter the opera house. The artist Kerry James Marshall, acclaimed for huge paintings that are fantasias of black life and history, has created an arresting “Porgy and Bess” banner that hangs outside.

It upends the traditional image of Porgy, a disabled beggar, and the woman he loves, Bess, who has suffered from abuse and addiction. Mr. Marshall’s Porgy — drawn in a muscular social realist, almost comic-book-superhero style — stands braced for action, wielding his crutch like a weapon and carrying Bess, on his shoulders .

“Most of the images you see of ‘Porgy and Bess,’ particularly the way Porgy is represented, he’s always on his knees, or down on the floor,” Mr. Marshall said in a telephone interview, adding that he had always been struck by the character’s strength in trying to protect Bess: “That’s where I started: I wanted to give Porgy at least one moment of heroic presence.”

The company is mounting an exhibition, “Black Voices at the Met,” that delves into its history with race both before and after 1955, the year contralto Marian Anderson became the first African-American artist to perform a principal role there . And it is releasing a new CD — “Black Voices Rise: African-American Artists at the Met, 1955-1985” — celebrating Ms. Anderson and some of the stars who followed in her footsteps, including Leontyne Price, Jessye Norman, Kathleen Battle, Robert McFerrin and George Shirley.

Mr. Robinson, the director of the new production, said he envisioned its Catfish Row as a working-class community of entrepreneurial, aspirational people.

“We have to treat these people with great dignity, and take them seriously,” he said. “When they become caricatures, it just seems to ring false.”

Mr. Owens, the bass-baritone singing Porgy, said that he viewed the work as “one part of ا African-American experience.” He may define the role of Porgy these days, but it does not define him. A star who has performed in operas by Wagner, Mozart, John Adams and Kaija Saariaho at the Met and will sing Wotan in Lyric Opera of Chicago’s “Ring” cycle in the spring, Mr. Owens said that when he started singing Porgy a decade ago, he made a conscious decision never to make his debut at an opera house with it.


4 He Almost Went To The World Trade Center On 9/11

Michael Jackson was supposed to be at the World Trade Center during the morning of September 11, 2001, when two hijacked airplanes crashed into its towers. He was only saved because he overslept. The details of this were revealed by his older brother, Jermaine Jackson, in his 2011 book You Are Not Alone Michael: Through a Brother&rsquos Eyes, in which he stated that Michael was booked for a meeting at the top floor of one of the towers that morning.

However, Michael had spoken with his mother so late into the night of September 10 that he overslept and missed his appointment. The rest of the Jacksons only realized how close their brother had been to death after their mother called Michael the next morning to check whether he was okay. Michael said he was indeed okay and thanked her for keeping him awake deep into the night. [8]


Michael J. Sandel

Michael Sandel teaches political philosophy at Harvard University. His writings—on justice, ethics, democracy, and markets--have been translated into 27 languages. His course “Justice” is the first Harvard course to be made freely available online and on television. It has been viewed by tens of millions of people around the world, including in China, where Sandel was named the “most influential foreign figure of the year.” (China Newsweek)

Sandel’s books relate enduring themes of political philosophy to the most vexing moral and civic questions of our time. They include What Money Can’t Buy: The Moral Limits of Markets Justice: What’s the Right Thing to Do? The Case against Perfection: Ethics in the Age of Genetic Engineering Public Philosophy: Essays on Morality in Politics Democracy’s Discontent: America in Search of a Public Philosophy و Liberalism and the Limits of Justice.

Sandel has been a visiting professor at the Sorbonne, and delivered the Tanner Lectures on Human Values at Oxford, the BBC’s Reith Lectures, and the Kellogg Lecture on Jurisprudence at the U.S. Library of Congress. In 2016, East China Normal University (Shanghai) convened an international conference to explore points of contact between Sandel’s work and the Confucian tradition.

Sandel has sought to extend the reach of philosophy beyond the academy. His BBC Radio 4 series “The Public Philosopher” explores the philosophical ideas lying behind the headlines with audiences around the world one program, a discussion of violence against women, was recorded in India, following a notorious rape incident in New Delhi. Another took place in Britain’s Palace of Westminster, where Sandel led a debate about democracy with members of Parliament and the public. In Brazil, he recently led a debate on corruption and the ethics of everyday life that reached an audience of 19 million on Globo TV. In Japan, his series on ethics for NHK, Japan’s national television network, convened students from China, Japan, and South Korea to discuss whether moral responsibility for historic wrongs extends across generations.

Sandel has been a pioneer in the use of new technology to promote global public discourse. In a new BBC series, “The Global Philosopher,” Sandel leads video-linked discussions with participants from over 30 countries on the ethical aspects of issues such as immigration and climate change.

In the U.S., Sandel has served on the President's Council on Bioethics and is a member of the American Academy of Arts and Sciences. A graduate of Brandeis University, he received his doctorate from Oxford University, where he was a Rhodes Scholar.

Sandel’s global lectures have taken him across five continents and packed venues such as St. Paul’s Cathedral (London), the Sydney Opera House (Australia), the Public Theater in New York’s Central Park, and an outdoor stadium in Seoul (S. Korea), where 14,000 people came to hear him speak.


شاهد الفيديو: Even Elephants (كانون الثاني 2022).